首先，我有看到老師之前在逢甲大學的講座題目「我的轉彎人生：從土木到劇場，從學生到老師」，想請您簡單介紹一下您是如何從土木轉而進入劇場領域？以及您認為兩者的關聯是什麼？
從土木領域轉到劇場是一個好玩、有趣的過程。剛進到臺北工專土木科時第一天，班上有同學邀我一起吃飯、逛社團，我就當作交朋友跟著去了。當時的社團學長很nice 地問我們要不要填資料參加那週的社團活動。那時年紀小，沒多想就說好，從此開始接觸戲劇。話劇社每學年會參加大專盃話劇比賽，要製作道具布景，整個過程的體驗我都覺得不錯，在臺北工專的五年就一直留在話劇社。本來五專的最後一年我還有補習，但又發覺自己時間都花在社團上，所以開始思考是不是真的要留在土木系？既然還沒想清楚，不如用當兵的時間做緩衝，沈澱下來去思考未來的方向。
但在快退伍的時候發生了一件事，是讓我真正從土木轉到戲劇的最大原因——我的弟弟。有次休假回家的時候，家中沒有人在，遇到鄰居問「你沒有去醫院陪你媽媽跟弟弟？」我才知道弟弟生病，也才知道他已經開過一次刀。因為我跟弟弟的感情一直很好，所以看到他年紀輕輕就受病痛的折磨，對我來說，我好像更應該去做自己想要做的事，也就更認真考慮在土木建築業界的去留問題。
按照期程退伍後，我先去水土保持技師公司擔任助理。工作之餘，報名周凱基金會辦理的劇場技術研習營，利用下班後或週末時間上課。在過程中，我認識了施舜晟老師以及一些學校、業界的學長和老師，他們鼓勵我去報名劇場相關科系。因此，我報考了國立藝術學院(現為國立臺北藝術大學)的劇場設計。雖然當初報考時只是抱持著「不想做土木，想進劇場行業」的想法，但進了北藝大劇設系後，還是覺得做舞台設計會比較好，對未來的想像也是認為自己會朝舞台設計的方向一路前進，這點和目前系上同學的心態有些類似。
記得一開始唸舞台設計的時候，曾被我的主修老師王世信抱怨過一件事。曾經的土木背景，再加上劇場研習營和話劇社的經歷，在修舞台設計一課前，我就對製作的過程已經有個大致瞭解。例如，木材的尺寸是4X8、角材的尺寸是吋2和吋8。所以在構思這堂課第一個project的第一個模型畫圖的時候，我憑經驗和直覺照著這樣的尺寸做。世信老師看完就對我說，「你為什麼所有設計的東西都四四方方的？」對他來說，我的設計裡蘊含太多理工科的思維。他限制我在下一個project裡，不能出現任何一條直線，並要求我們找一個畫家去模仿他的style做一個演出的舞台。印象中我選擇的是梵谷《星夜》，依這幅畫畫了一些圖、做了模型，老師看完後說，「你腦袋好像有一點點轉過來。」我在初入劇場舞台設計學習過程中，曾有過這樣的轉變。
老師在國立臺北藝術大學藝術學士畢業主修舞台設計，之後的研究所是在The University of Texas at Austin唸 Theatre Technology，一開始學習的是設計方面，是什麼契機讓您後來更聚焦在技術層面？
在做北藝大畢製的時候，同學們都覺得舞台技術可以由自己完成，不用與做技術的同學同組。但我覺得自己是以設計畢業的，應該請人幫我負責技術。畢業後我開始做一些助理及crew的工作，也擔任一些小劇團在小劇場的舞台燈光設計。但到最後還是被生活五斗米說服，覺得應該找份有固定工時的工作會比較穩定，所以選擇進一家佈景工廠擔任道具製作。但其實我並不排斥技術，因為之前參加的周凱基金會的劇場技術研習營時，有很多手作的機會，那時就對舞台技術略有興趣。工作類型也慢慢地轉換到道具製作、佈景製作，發展方向逐漸偏向技術。
後來，我抱著年輕敢衝的信念想出國念書，甚至直接飛去美國面試，排了美東跨美西的旅行。其實那時候我還是有設計師的夢想的，衡量後就投了設計跟技術兩種不同的學校。會去The University of Texas at Austin (UT Austin)面試，是因為我在北藝大的學姐當時在那裡唸書，她問我要不要嘗試看看。一輪下來，有上的兩間學校都是技術相關，一個是 UT Austin,另外一間是NCSA。NCSA類似北藝大那樣藝術大學，有專門舞台技術的科系。掙扎許久，我最後去了UT Austin，其中一個原因是兩邊給的獎學金有差。
從事舞台技術這些年，我對這件事逐漸有了更深刻的感受。我們技術人員進劇場常常是第一個到舞台上，第一個去跟館方大哥說我們到了要卸貨。正因為是第一個到舞台上的人，所以看到的舞台和觀眾席都是全空的。而接下來的一個小時或一個禮拜內，眼前的這個舞台上將鋪滿所有的東西，等到禮拜天的晚上八、九點之後，又回到最初的樣子——空。這一切讓我感覺自己像是個魔術師，從無到有又從有到無，看著整個空間的巨大變化，覺得自己好像做了一件了不起的事。雖然沒什麼人會記得，但我自己知道，有一群人曾經一起完成這件事，這對我來說就是一種成就感。舞台的「從無到有、從有到無」的過程中，需要我去解決問題，我反而很享受這種類似小男生喜歡的DIY的體驗。
舞台技術接觸的範圍其實很多，我們需要懂得如何用電、學習製作簡單的服裝，也要了解裝置發出聲音的來源，而這些都是在每次製作過程中不斷學習的。雖然不見得每次都會用到這些技能，但每次都會有新的東西可以學習，這正是舞台技術的挑戰所在，也讓我更想繼續留在這個領域。
先學習設計再到轉向舞台技術，您覺得這種轉換對您有什麼幫助或是影響？
這部分還蠻有趣的，因為大學時學的是舞台設計，而現在則從事舞台技術。如果單純執行技術工作，不可否認會感覺像工人。只要把這個東西做好、裝好即可，但因為我有設計的概念或思維，因此會去思考：為什麼要這麼設計？也因此，比較能夠理解並化解設計師頻繁修改技術做法所帶來的困擾。以《哈姆雷特機器人》為例，這個舞台有一個基本台，是用4X8的平台拼成的。以技術角度來說，我會根據自己的想法來製作舞台，選擇較便利的拼接方式，或依照材料尺寸來安排結構。但柏霖老師有他的設計考量，跟我討論是否能換一種拼接方式，因為按照我原先的拼法，他覺得觀眾視覺上會有太多線條。當他這樣講的時候，如果我是單純做技術的人，會覺得線條就線條有什麼差別？可是之前我有學過設計，大致理解設計的思維與流程，能理解他的用意，知道我該怎麼調整，因此，我能以更開放的心態面對這類討論，而不會產生太多怨言。
做技術的人有設計背景，在解決問題時，會稍微往設計的角度去思考。例如，我怎麼樣可以在視覺美學上增加美感，而不是單純考慮哪種方式比較快。但也因為懂設計，在溝通的過程也可以跟設計解釋自己為什麼堅持這樣子拼，為什麼要留線條在這裡，是因為有什麽限制。因此，無論是先學設計再進入技術領域，還是從技術轉向設計，兩者是相輔相成的。如果做技術完全不懂設計，或設計師對技術一無所知，設計出來的東西就會像烏托邦，在現實的技術條件下難以實現。
面對看起來複雜的設計，有沒有一些舞台技術中，外人所不知的實現設計的技巧？
拿系上製作來說，其實每一次都有一些特殊的做法或暗藏其中的機關。我剛到系上的第一個製作是20周年在城市舞台演出的《莎士比亞打麻將》，是系上少數幾次到校外做演出的機會。這個製作特別的地方，是舞台上要弄一個鏡面的地板跟二樓，還要現場Live Band、升降電梯門和隱藏書櫃等等。像是鏡面地板後來是去找鏡面的美耐板，可能貼齊地板這件事在觀眾眼裡看不見，但要怎麼把它做好是很有挑戰的。而且在貼的過程中，因為鏡框台口樂池有下降的高度，所以樂池和原本基本舞台中間有縫隙。就有在貼美耐板的過程中，學生把側封板從舞台面掉下去機坑裡面。另外右舞臺有一個會被拉開來且高兩米八的書櫃，莎士比亞最後要從那邊離開，因此需要設計軌道與定向機關。在裝台時，我們還花了好些時間解決假鏡框懸吊的問題，但這些細節都是觀眾看不到的。
做《愛與資訊》時，原本要去水源劇場演出，但後來碰上COVID就沒有，也因此簡化成彩排場。而最大的挑戰就變成有一些升降的招牌，我要怎麼樣在沒有懸吊空間的場地做升降的同時，又可以讓招牌被點亮。記得當初是用吊環束在電線上，懸吊鋼索穿過吊環，類似羅馬簾的做法。但升降是在工作廊道放鋼索，剛裝完測試一切OK，但技排時卻卡住，還導致燈光控台當機等問題。後來就特別去找電線，有些市面上的電源線中間其實是有鋼絲鋼索可以承受吊燈，更換後就順多了且不會卡。而《一千零一夜》是到南海劇場演出，在空台且吊桿數量不足的限制下，很多的變化其實是藏在舞台裡面。配合柏霖老師的設計，在台口藏了一組手動的軌道。這組軌道是為了讓駱駝和火車從左到右上下場，還有船要從右到左，沿著軌道慢慢地移動。但駱駝和船又得要上下擺動，所以就做了遙控的電路板，也因此研究了如何使用Arduino來控制電動缸。這跟一般大眾想像的舞台只會做道具佈景的木工又有點不一樣，舞台技術人員是需要更進一步去學習更多東西的。
這些都是每個學期製作不同的考驗及挑戰。觀眾看戲可能只會覺得演出好看或整個操作都很OK，不會去想背後付出的努力。但對我這個做技術的人而言，可以把東西做出來並達到預期效果，除了能滿足男生從小做模型的慾望，也能持續刺激我的思考，完成後內心也充滿成就感。
老師在業界有許多不同的作品，也一直在擔任教職。想請問老師對於擔任劇場工作者與在校擔任教職，您認為這兩者間有何異同？以及對老師來說，理想的舞台技術教育現場是什麼樣子？
我從UT Austin畢業後，其實也有收到一些教職的邀請。但當時不想直接進入學校的主要原因，是我希望累積更多業界實務的經驗，再進入學校帶給學生。按照規定我畢業就可以直接成為老師，但覺得自己好像還沒有足夠的東西能教給學生們，因此選擇在業界接案，其實也是在累積教材。現在我也持續有跟業界接觸，是希望能把學生帶到業界中，但困難的是，學校雜事真的太多。雖然學校一年只有一個製作，但我們都處在降低成本的製作方式，就變成助教跟老師們都要付出更多時間，要花費較長的時間待在學校，就會縮減接觸業界的時間。但還是會把握機會帶學生走出校園的舒適圈，和業界的人事物接觸學習，也會利用課堂講座把業界人士帶進學校。
我理想中的教學環境，比如說我們的劇場、教學空間，是能跟業界接近的，外面的劇場長什麼樣子，就希望我們系上也有什麼樣子的劇場，讓同學們在畢業後或學期間到外面接案能比較好上手。除了在教室上課，當我講解懸吊系統、吊桿、鋪舞台或舞台空間的時候，是能夠直接帶學生進入正規劇場實地講解的。但目前應該是沒有辦法，因為遊心劇場是獨立的管理單位，不歸系上管理，所以目前沒有辦法互相支援或配合。
九月份「戲夢空間」剛完成安龍謝土的儀式，老師對於這個系上新落成的舞台技術的教學空間有什麼看法？未來會如何利用這個空間進行教學的規劃？
按理說系上應該要有獨立的系館、排演及演出空間，這個空間可以受學校管理，但希望是能被戲劇系自己使用，或者說掌控的比例佔多數。系上剛成立的時候沒有劇場，所以曾經在總圖做過演出，後來有鹿鳴堂。鹿鳴堂經過了兩三年的改善，改叫臺大劇場。在鹿鳴堂裡可以展現創意，也可以做很多有趣的作品。其實現在系上有很多有趣、有創意的作品，但都被限制在排練教室。排練教室跟鹿鳴堂、遊心劇場的空間概念是不一樣的。現在大家會覺得系上學生沒有向心力、沒有想法，然後把部分原因歸咎於沒有鹿鳴堂可以使用，我不覺得這是百分之百的因素。就算沒有鹿鳴堂，大家的創意還在，真正缺的可能是能夠實踐的場域。
之前鹿鳴堂大部分的管理權是在系上，而現在的遊心劇場只有百分之十，所以希望有另外的空間可以使用。如今雖然有了「戲夢空間」，但這個空間如何去活用仍是一個問題。我希望除了上課時間之外，平常或是做製作的時候，學生都能繼續使用。設想一家店，營業時間只有18點到22點，若將非正式營業時間也利用起來，它的產值或者賣的東西會是什麼？但目前另一個問題是，每個來上工或進劇場的人都是要死不活的，都覺得自己最好不要進舞台組，因為會很累，這樣「產值」自然會受影響，不開心的學生做出來的東西，就不覺得會好玩。我覺得，系上和遊心要更密切地合作，而同學們要更懂得自己管理時間和空間。
不管是舞台、燈光、服裝、影像或聲音，都可以在那邊做使用。影像的正源老師可以當攝影棚拍東西；燈光的振威老師可以上一些電腦燈或是燈光技術課，能有較大的空間去做呈現；柏霖老師可以拿來做繪景；我這邊也可以拿來做製作、做軌道之類的這些事情，因此我們希望能充分活用這個空間。但目前比較擔心的是，那塊地的使用權其實不歸學校，而是歸屬於臺北市政府。
您看來，舞台技術在戲劇系扮演著什麼樣的角色？
我覺得在教學裡面，舞台技術的角色像是服務業。我要幫助系上或製作完成各種特別不同的演出。為什麼會持續從事這類技術支援的工作，某種程度上是因為我在過程中，看到內心的成就感，因此能夠持續投入。譬如說剛才講到《一千零一夜》的時候，有製作遙控裝置，我之前沒有使用過 Arduino，但這次嘗試自己寫程式，並最終在舞台上看到成果，這對我來說是一個小小的成就。而這次《哈姆雷特機器人》要改外加的懸吊系統，就會想要看到我曾經畫的圖在舞台上實現。
現階段，我希望能吸引更多同學對舞台技術產生興趣，讓系上或每個製作能夠有更多元的技術應用。臺大戲劇師生的創意一直都在產生，學製也不斷嘗試新的挑戰，我自身也在面對各種不同的挑戰，跟著一起學習和成長，這也是我會想要繼續留在臺大的原因。
非常感謝老師百忙之中與我進行這次訪談，從志峰老師的各種經驗分享，能看到老師在作為劇場工作者與擔任教職都充滿著的熱忱。而老師樂於分享自身經驗，並希望帶給學生更多的知識與機會，也令人感動。期待「戲夢空間」的落成，能夠促進系上對於舞台技術及各技術的教學成效。
責任編輯：張曉逸
審稿：鄧淑華、張慎心
最後校稿：陳志峰老師
